„A Transparent Musical“, bahnbrechende queere Bühnenserie

Die Show, die jetzt bis zum 25. Juni ihre Weltpremiere im Mark Taper Forum in LA feiert, ist eine Nacherzählung der Geschichte des Pfefferman-Clans

Veröffentlicht

An

Von

LOS ANGELES – Es mag etwas ungewöhnlich erscheinen, eine Rezension einer Theaterproduktion mit der Erörterung einer Fernsehserie zu beginnen – aber im Fall von „A Transparent Musical“ ist es der logische Ausgangspunkt Die Weltpremiere, die bis zum 25. Juni im Mark Taper Forum in LA läuft, ist eine Nacherzählung der Geschichte des Pfefferman-Clans, der geheimnisvollen, zutiefst dysfunktionalen und sehr jüdischen LA-Familie im Mittelpunkt von „Transparent“, einem mittlerweile ikonischen, bahnbrechenden Amazon Serie, die 2014 Premiere feierte und über vier von der Kritik gefeierte Staffeln lief, bevor sie anstelle einer fünften mit einem besonderen Spielfilm „Musicale Finale“ endete.

In ihrer ursprünglichen Form begann die Saga mit dem Coming-out von Maura Pfefferman zu ihren Kindern als Transfrau – eine bombastische Offenbarung, die die privilegierte, selbstsüchtige Familie ins Wanken bringt. Von da an zeichnete es Mauras Übergang zur stolzen Transmatriarchin auf, von der sie schon immer wusste, dass sie in ihr steckt, sowie die Schwierigkeiten ihres ehemaligen Ehepartners (Shelly) und ihrer Kinder (Josh, Sarah und Ali), sich im Leben zurechtzufinden – beide als Familie und als Individuen – im Nachhinein.

In späteren Staffeln verlagerte sich der Fokus mehr auf das jüngste Kind Ali und die Suche, die sie nach ihrer eigenen Identität unternahm, und nach dem umstrittenen Abgang des Serienstars Jeffrey Tambor gipfelte die Geschichte schließlich darin, dass Ali ein Musical über die Geschichte ihrer Familie schuf.

Während die letzte Folge von der Kritik viel Lob und Lob erhielt und den Fans der Serie einen gewissen Abschluss bescherte, konnten viele Zuschauer nicht umhin, ein Gefühl der Enttäuschung zu verspüren; Bei ihnen hinterließen die Umstände rund um Mauras Abkehr von der Erzählung (auf die wir hier nicht näher eingehen werden, Sie können sie nachschlagen, wenn Sie sich nicht erinnern) einen bitteren Beigeschmack in der Luft und gleichzeitig ein neues Gefühl der Hoffnung und die Heilung, die es für Ali brachte, ihre Geschwister und ihre Mutter wurden geschätzt, die Tatsache, dass Maura nicht mit ihnen dorthin gelangen durfte, fühlte sich, nun ja, ungerecht an.

Auch wenn der Schauspieler, der sie spielte, vielleicht nicht mehr geeignet war, die Reise fortzusetzen, hatte die Figur ein viel besseres Schicksal verdient, und das Publikum, das ihr im Laufe der vier Staffeln mitgefiebert hatte, hatte es auch verdient Wenn man bedenkt, könnte man „A Transparent Musical“ – gemeinsam geschrieben von Serienschöpfer Joey Soloway und MJ Kaufman, mit Musik und Texten von Soloways Geschwister Faith – mit zurückhaltenden Erwartungen angehen. Wie würde tatsächlich eine musikalische Adaption dieser weitläufigen Erzählung mit ihren komplexen sozialen und kulturellen Themen und ihrer umfangreichen Besetzung miteinander verflochtener Charaktere überhaupt aussehen? Könnte es ihnen überhaupt möglich sein, 41 Episoden Fernsehgeschichten in eine zweieinhalbstündige Bühnenfassung zu packen? Wie sich herausstellte, mussten sie es nicht einmal versuchen. Stattdessen stellt „A Transparent Musical“ die gesamte Geschichte der Pfeffermans in ein geradliniges, eigenständiges Erlebnis um, das auch ohne jegliche Kenntnis der Serie genossen und geschätzt werden kann. Anstatt Maura (hier gespielt von Daya Curley) in den Mittelpunkt der Geschichte zu stellen, ist es der junge Ali (Adina Verson), der zu unserem Einstiegspunkt wird; Als sie damit beauftragt wird, bei der Aufführung eines Theaterstücks für den Purim-Karneval ihres jüdischen Gemeindezentrums mitzuhelfen, begibt sie sich auf eine Reise der Selbstfindung, erinnert sich an Schlüsselmomente in der Vergangenheit ihrer Familie und stellt Verbindungen zwischen ihrer Geschichte und dem vielschichtigen kulturellen und ethnischen Erbe her breitet sich hinter ihnen aus.

Die meisten Abstecher der Serie sowie viele der Nicht-Pfefferman-Charaktere sind verschwunden, und was übrig bleibt, ist eine abgespeckte Nacherzählung, die sich genauso vollständig anfühlt – wenn nicht sogar noch vollständiger, wenn man bedenkt, dass Maura nun zugelassen ist in das Ende einbezogen zu werden – als die Serie, die die Fans immer mehr lieben. Natürlich bedeutet eine solche Kürzung zwangsläufig, viele Nuancen zu opfern, und das hat unübersehbare Auswirkungen auf den ersten Akt der Serie, der ist anfangs langatmig, fühlt sich dadurch aber noch länger an.

Eine der Herausforderungen von „Transparent“ bestand darin, dass seine Protagonisten alle chaotisch, egozentrisch, unvernünftig, isoliert, unehrlich, stur, gehässig und manchmal sogar absichtlich grausam zueinander waren – kurz gesagt, sie alle, einschließlich Maura (manchmal besonders). sie), waren oft schwer zu mögen.

Die rettende Gnade war die Fähigkeit der Show, uns in die tiefsten Winkel ihres Lebens blicken zu lassen, wo wir die verwundete Menschheit erkennen und uns mit ihr identifizieren konnten, die sich hinter all diesen Verteidigungsmauern verbirgt; Ohne den Luxus einer derart detaillierten Erkundung ist es aufgrund ihrer Unannehmlichkeiten manchmal schwierig, sich darum zu kümmern, ob sie die Dinge selbst in die Hand nehmen oder nicht.

Aber natürlich muss man Charaktere nicht mögen oder sich auch nur für sie interessieren, um Aspekte von sich selbst in ihnen widerzuspiegeln, und ihre Relativität trägt viel dazu bei, dass wir genug investiert bleiben, um nach der Pause dabei zu bleiben – und das ist ein Glücksfall, denn es ist angesagt Im zweiten Akt erblüht „A Transparent Musical“ zur vollständig verwirklichten Manifestation von Soloways Geschichte, von der wir nie wussten, dass sie so werden muss.

Ohne zu verraten, bedient sich die zweite Hälfte der Fantasie – erdacht und erweitert aus Elementen der Serie –, um alle Kämpfe der Pfeffermans zusammenzuführen und alle Themen der Geschichte in einem kathartischen Bündel zu bündeln.

Wenn es vorbei ist, lassen uns die Akzeptanz, Vergebung und ja, die Transzendenz, die auf der Bühne geschehen ist, über Fragen unserer eigenen Identität nachdenken und darüber, wie es einen großen Unterschied in unserer Fähigkeit macht, andere so zu sehen, wenn wir so gesehen werden, wie wir wirklich sind viel zu.

Unter der Regie von Tina Landau strotzt die Produktion vor farbenfrohen, aufregenden Bildern und einer einfallsreichen Inszenierung, die uns hilft, die Zeit- und Ortssprünge im immersiven Setting der Show, das von Alan Rigg mit augenzwinkernder Authentizität entworfen wurde, leicht zu verfolgen. versetzt das Publikum in die Mitte eines JCC-Auditoriums.

Die Lieder von Faith Soloway bleiben einem vielleicht nicht so melodisch im Gedächtnis, wie man es normalerweise von Showmelodien erwartet, aber ihre Texte sind klug, einfühlsam, witzig und vermitteln erfolgreich komplizierte Sprach- und Ideenstränge, ohne dass wir sie aus den Augen verlieren; Gepaart mit James Alsops knackiger, energiegeladener Choreografie ist es eine Kombination, die eine willkommene Portion ausgelassenen Musiktheaterspaß liefert.

Was die Besetzung betrifft, ein vielfältiges und talentiertes Ensemble, das scheinbar die Zeit seines Lebens hat, so sind sie durchweg exzellent. Verson verdient besondere Erwähnung dafür, dass er die erzählerische Verantwortung der Serie trägt, ohne sich dabei zu distanzieren, ebenso wie Curley, der Maura so vollständig verkörpert, dass wir jede frühere Inkarnation von ihr leicht vergessen.

Liz Larsen hat mehrere atemberaubende Momente wie „Was ist mit mir?“ Mutter Shelly, ebenso wie Peppermint (in der Doppelrolle von Davina und Darlene), deren kraftvolle Gesangskünste das Publikum mehr als einmal zum Einsturz bringen – eine Leistung, die auch Kasper als Ezra vollbracht hat. Abgesehen von den herausragenden Momenten sollte jedoch das gesamte Unternehmen wirklich als gemeinsamer Star der Show gelten.

Es versteht sich vielleicht von selbst, dass eine Show wie „A Transparent Musical“ in einer Zeit wie unserer, in der die heftigen Gegenreaktionen extremistischer Fanatiker immer alarmierender werden und Politiker mit regressiven und schädlichen Gesetzen der Homophobie Vorschub leisten, äußerst wichtig ist.

Es gibt Momente in der Show, die diese wachsende Volatilität thematisieren, ein Element, das der Botschaft der Akzeptanz ein neues Gefühl der Dringlichkeit verleiht – etwas, das viel leichter zu schlucken ist, indem es uns zeigt, dass es ein wesentliches menschliches Bedürfnis ist, sich in der eigenen Haut wohl zu fühlen weit über die Bedeutung von Geschlecht, Sexualität, Rasse oder anderen externen Faktoren hinaus, die wir nutzen, um uns von anderen zu trennen.

Dennoch und trotz zahlreicher Themen, die für viele Zuschauer unbequem – oder sogar auslösend – sein können, ist „A Transparent Musical“ keine düstere Show, noch geht es auf die politischen Schrecken der größeren Welt ein, selbst wenn dies zugegeben wird dass sie da sind. Es versteht sich von selbst, dass viele unserer Leser es für ein Theaterstück halten, das man gesehen haben muss, einfach aufgrund seiner Botschaft und der Notwendigkeit, sichtbar zu sein; Seien Sie versichert, dass Sie es wahrscheinlich auch genießen werden, wenn Sie dorthin gehen, weil Sie das Gefühl haben, es müssten.

Eine queere Hollywood-Hommage betritt die Bühne des Pride-Monats in „Back Porch“

LA vs Hate arbeitet bei Wandgemälde mit der Anti-Defamation League zusammen

Eine queere Hollywood-Hommage betritt die Bühne des Pride-Monats in „Back Porch“

Studie: Awareness-Kondome dürfen nicht als Beweismittel für Festnahme verwendet werden

Wenn Sie ein Fan des Theaters und zufällig auch ein Fan klassischer Filme sind und zufällig auch queer sind, dann hält der Pride Month in LA ein besonderes Vergnügen für Sie bereit

Veröffentlicht

An

Von

BURBANK, Kalifornien – Wenn Sie ein Fan des Theaters und zufällig auch ein Fan klassischer Filme sind und zufällig auch queer sind, dann hält der Pride Month in LA ein besonderes Vergnügen für Sie bereit.

Vom 2. Juni bis 9. Juli wird das Victory Theatre Center in Burbank Schauplatz der Weltpremiere von „Hinterhof„, ein neues Stück von Eric Anderson, das ein imaginäres Szenario innerhalb eines realen Abschnitts der Filmgeschichte verwendet, um eine sehr seltsame Geschichte zu erzählen – eine, die eine entzückende Hommage an einen beliebten Hollywood-Klassiker sowie an den Dramatiker hinter dem Werk ist, das ihn inspiriert hat Die Kulisse ist eine kleine Stadt in Kansas und das Jahr 1955, als ein Hollywood-Filmteam in die Gemeinde kommt, um Szenen für den Filmklassiker „Picnic“ zu drehen.

Laut Inhaltsangabe:

Barney Four (Karl Maschek) ist verwitweter Vater von zwei Jungen: dem 18-jährigen Gary (Isaac W. Jay), der sich danach sehnt, dem Kleinstadtleben in Kansas zu entfliehen und ein glamouröseres Leben zu führen, und der energiegeladene 13-jährige Del Wayne (Cody Lemon ). Das Leben der Familie wird auf den Kopf gestellt, als ein gutaussehender Fremder als Stuntdouble von William Holden arbeitet (Jordan Morgan ) weht zusammen mit der All-Star-Besetzung in die Stadt. Zu den weiteren Charakteren gehört der Junggeselle der Opats, der Gesangslehrer Myron Uhrig (Eric Zak) und ihr Nachbar, Millard Goff (Jonathan Fishman).

Unnötig zu erwähnen, dass fast sofort Funken zu fliegen beginnen (in mehrfacher Hinsicht).

Der Dramatiker Anderson – der selbst in Kansas geboren und aufgewachsen ist – erinnert sich, dass er vier Jahre alt war, als Teile von „Picnic“ in der Nähe seines Hauses gedreht wurden. „Eines Abends fuhr meine Familie zu dem Drehort, um in der ‚Neewollah‘-Szene mitzuwirken Der Fluss. Seitdem bin ich verrückt nach Filmen – und Theater. Mit „Back Porch“ wollte ich einem bedeutenden amerikanischen Dramatiker Tribut zollen, der auch sehr verschlossen war. Ich hoffte, die Art von Stück zu schreiben, die er selbst hatte hätte schreiben können, wenn er zu einer anderen Zeit und an einem anderen Ort gelebt hätte.

Regie bei dem Stück führt Kelie McIver, ebenfalls aus Kansas, die es sogar als „Liebesbrief an William Inge“ bezeichnet. Sie nennt es auch „ein großartiges Ensemblestück, in dem jede Figur einen interessanten und schönen Handlungsbogen hat. Ich liebe sie alle und möchte mit ihnen Zeit verbringen.“

„Back Porch“ wird von Bluestem Productions präsentiert. Zum Kreativteam gehören neben Anderson und McIver auch BühnenbildnerKenny Klimak, LichtdesignerCarol Döhring, SounddesignerCynthia Nava, KostümbildnerinMolly Martin, Stunt-/KampfchoreografBrett Elliottund IntimitätsdirektorAmanda Rose Villarreal . Der Bühnenmanager istMargaret Magula.David WillisUndKelly McIverfür Bluestem produzieren.

Für Informationen und zum Kauf von Tickets rufen Sie (818) 533-1611 an oder besuchen Sie die Website der Produktion.

Los Angeles, hier ist Ihre Chance, sie zu hören und zu sehen. Der Finalist von „RuPaul's Drag Race“ betritt die Bühne des Mark Taper Forums vom 20. Mai bis 25. Juni

Veröffentlicht

An

Von

HOLLYWOOD – Vor zwei Jahren vermittelte uns Peppermint in ihrem Song „A Girl Like Me“ ein klares Bild davon, wer sie ist.

„Sie ist stark und nimmt es niemandem weg.“

Als Finalistin der neunten Staffel von „RuPaul’s Drag Race“ belegte Peppermint den vierten Platz und schied während der eigentlichen Dreharbeiten der Show aus. Die Produktionsfirma überlegte es sich jedoch anders und nahm sie wieder ins Finale auf, wodurch sie aus der ausgestrahlten Fassung eliminiert wurde.

Sie hat diesen Wettbewerb vielleicht verloren, aber sie hat etwas Größeres gewonnen: Geschichte. Sie war die erste Out-Trans-Person, die an „Drag Race“ teilnahm. Ein Jahr später geriet RuPaul in die Kritik, weil er sagte, dass nur Transgender-Königinnen antreten könnten, die sich noch keiner Operation unterzogen hatten, wie Peppermint damals noch nicht.

Sie war nicht amüsiert. Als Antwort twitterte sie ein Emoji mit einem großen Reißverschluss vor dem Mund. Am nächsten Tag widerrief RuPaul seine Politik und machte sie rückgängig.

„Ein Mädchen wie ich wird nicht immer als gleichwertig angesehen, und manchmal sogar überhaupt nicht … Und wenn es zu Problemen kommt, ist sie die Erste, die den Sturz hinnimmt.“

Kürzlich wurde sie nach der schrecklichen Schießerei in einer christlichen Schule in den sozialen Medien getrollt. Ein rechter Verrückter sehnte sich danach, eine echte Transgender-Person zu finden und zu vernichten, die ihr Mitgefühl für den nicht-binären Nashville-Attentäter zum Ausdruck brachte. Er fand keinen, also erstellte er stattdessen einen gefälschten Tweet und schrieb ihn Peppermint zu, um eine Erzählung über „Trans-Menschen als reuelose Mörder“ zu konstruieren.

Der gefälschte Tweet warnte potenzielle Transmörder davor, ihre sozialen Medien zu löschen, bevor sie abscheuliche Taten begehen, und schützte so Peppermint und die Community. Die Nachricht war gefühllos und ein Betrug.

Peppermint hat ihren Twitter-Account auf „privat“ gesperrt (keine Twitter-Post-Screenshots mehr an Doctor für Sie). Sie postete: „Die Leute kopieren immer noch gefälschte Screenshots.“ Dann übernahm sie die Erzählung: „Ich greife meine Figur mit Worten an, die ich NIE getwittert habe. Ich bin untröstlich wegen der schrecklichen Schießerei in Tennessee. Ich glaube, dass der Zugang zu Waffen ein wesentlicher Faktor bei waffenbezogenen Angriffen ist. Anti-Trans-Kommentare verleumden mich nicht. „Das hält mich nicht davon ab, Menschen aus marginalisierten Gemeinschaften zu helfen.“

„Ein Mädchen wie ich kann jede Party zum Leuchten bringen.“

Die Peppermint-Party kommt zu uns, nach Los Angeles. Peppermint erleuchtet die Bühne des Mark Taper Forums, wo sie vom 20. Mai bis 25. Juni in „A Transparent Musical“ die Hauptrolle spielen wird. Das Musical ist die komödiantische Version der Pfefferman-Familiengeschichte, deren Patriarch endlich zulässt, dass ihr wahres Selbst zum Vorschein kommt als Maura, die Transgender-Matriarchin, von der sie immer wusste, dass sie sie ist. Basierend auf der erfolgreichen Amazon-Prime-Original-TV-Dramaserie „Transparent“ von Joey Soloway führt „A Transparent Musical“ die jüdische Familie in Los Angeles in eine lustige und musikalische Richtung und macht sie „allgemein verständlich, unvollkommen menschlich und verblüffend vertraut“.

Pfefferminze begründet die Rolle von Davina. Der Teil der Serie wurde ursprünglich von Alexandra Billings erstellt. Als Davina leitet Peppermint die Programmierung im örtlichen jüdischen Gemeindezentrum und ist die Vertraute der Hauptfigur Maura. Letztendlich hilft Peppermint dabei, die Geschichte von Familiengeheimnissen zu erzählen, die eine Geschichte der Selbstfindung, Akzeptanz und des Feierns ans Licht bringen.

„Und Mädchen wie ich haben Angst und sind wütend, aber wir finden immer einen Weg zu lächeln …“

Um sich nicht auf Live-Theateraufführungen zu beschränken, betritt Peppermint auch die Netflix-Szene in der Serie „Survival of the Thickest“, in deren Mittelpunkt die Figur der Mavis Beaumont steht, gespielt von Michelle Buteau, die das Buch geschrieben hat, auf dem die Serie basiert.

Mavis ist schwarz, übergroß und frisch Single und muss unerwartet ihr Leben als kämpfende Stylistin neu aufbauen. Peppermint porträtiert einen Social-Media-Influencer und Besitzer des örtlichen Drag-Restaurants. Witzig, superfrech und fürsorglich fungiert Peppermints Charakter als „adoptierte“ Drag-Mutter von Mavis.

„Ein Mädchen wie ich weiß, wie sie ihre Wahrheit leben kann.“

Als ob diese Projekte nicht ausreichen, enthüllt uns Peppermint ihre Wahrheit in „SO-SIGH-ETY Effects“, ihrem ersten Stand-up-Comedy-Special, das jetzt auf Amazon Prime Video, Apple TV, Google Play, YouTube, Vimeo und anderen erhältlich ist Kabelanbieter weltweit. In der Sondersendung nimmt sie das Publikum mit auf eine allumfassende Reise durch New York und zeigt, wie es ist, eine alleinstehende schwarze Transgender-Frau in der heutigen Gesellschaft zu sein. Peppermint verspricht Lachen und Tränen, wenn sie von der Bühne bis zur Toilette Geschichten über Liebe und Herzschmerz erzählt.

„Das Mädchen, das das Gute anstrebt, aber am Ende so missverstanden wird.“

Pfefferminze ist jedoch nicht nur wegen des Rampenlichts und des Showgeschäfts hier. Sie ist die erste Künstlerbotschafterin der ACLU für Transgerechtigkeit und hat sechsstellige Summen für prominente LGBT-Rechtegruppen gesammelt. Sie ist eine Partnerschaft mit dem „MAC AIDS Fund“ von MAC Cosmetics eingegangen und engagiert sich im Netzwerk für HIV-Impfstoffversuche. Sie begleitete die „RuPaul's Drag Race“-Gewinnerin Sasha Velour zu einer College-Vortragstour, die sich auf die Herausforderungen konzentrierte, mit denen Transgender und nicht-binäre Menschen im heutigen politischen Klima konfrontiert sind. Für ihren Beitrag zur Discovery+-Reihe „Legendary“ wurde sie für den GLAAD Media Award 2022 in der Kategorie „Outstanding Online Journalism“ nominiert (ein Preis, den die Los Angeles Blade 2023 gewann). Zu den früheren Auszeichnungen gehören: Nominierung für den GLAAD Media Award neben Lady Gaga & Kehlani als herausragender Musikkünstler (2021), „Bester Songwriter“ bei den Wowie Awards 2020 von World of Wonder, Conde Nasts „Queeroes“-Auszeichnung (2018), Varietys prestigeträchtige „New Power of New York“-Liste, und wurde vom Out-Magazin zu einem der „OUT100“-Portfolios der einflussreichsten LGBTQ-Personen des Jahres ernannt.

Am Ende von „A Girl Like Me“ fleht Peppermint: „Ich muss nur gehört und gesehen werden, verstehst du, was ich meine? Würde es schaden, zu versuchen und zu sehen, ob du ein Mädchen lieben könntest, liebe ein.“ Mädchen wie ich, das Mädchen, das um ihr Leben kämpft?

Los Angeles, hier ist Ihre Chance, sie zu hören, zu sehen, mit ihr zu lachen, mit ihr zu weinen und sie zu lieben, und seien wir ehrlich.

Pfefferminze ist genau der süße Geschmack, den wir gerade brauchen.

************************************************** **************************

Rob Watson ist der Moderator der beliebten Hollywood-Radio-/Podcastsendung RATED LGBT RADIO.

Er ist ein etablierter LGBTQ-Kolumnist und Blogger, der für viele Top-Online-Publikationen geschrieben hat, darunter The Los Angeles Blade, The Washington Blade, Parents Magazine, die Huffington Post, LGBTQ Nation, Gay Star News, die New Civil Rights Movement und mehr.

Er fungierte als Chefredakteur für The Good Man Project, trat bei MSNBC auf und wurde in Business Week und Forbes Magazine zitiert.

Er ist CEO von Watson Writes, einer Agentur für Marketingkommunikation, und kann unter [email protected] erreicht werden.

Über die LA Theatre Week sind weiterhin ermäßigte Tickets erhältlich. „Kiss of the Spider Woman“ tritt bei A Noise Within auf

Veröffentlicht

An

Von

LOS ANGELES – Die meisten von uns kennen „Kiss of the Spider Woman“ wahrscheinlich entweder als gefeiertes Bühnenmusical von 1993 der „Cabaret“- und „Chicago“-Komponisten John Kander und Fred Ebb und des queeren Dramatikers Terrence McNally oder als gefeierten Film von 1985 mit Raul Julia und William Hurt in den Hauptrollen – letzterer war der erste Schauspieler, der einen Oscar für die Darstellung einer queeren Figur gewann (und auch der erste von acht Schauspielern, die sich eindeutig für die Darstellung einer queeren Figur gewinnen konnten, aber das ist eine andere Geschichte).

Viele von uns wissen auch, dass es sich zuvor um einen Roman des argentinischen Autors Manuel Puig aus dem Jahr 1976 handelte, der ihn schrieb, als er im Exil in Greenwich Village lebte, nachdem ein Militärputsch sein Heimatland unter die Herrschaft eines brutalen Regimes gebracht hatte und repressive Militärdiktatur.

Was die meisten von uns vielleicht NICHT wissen, ist, dass es vor dem Mainstream-Erfolg der mittlerweile klassischen Verfilmungen und Bühnenadaptionen des Romans eine andere Version der Geschichte gab, die 1983 von Puig selbst in ein Theaterstück umgewandelt und von Allan ins Englische übersetzt wurde Baker für eine Londoner Premiere 1985 mit Simon Callow und Mark Rylance in den Hauptrollen. Es ist diese Adaption des Werks, die jetzt in der Theatergruppe A Noise Within in LA auf der Bühne steht, und ihr Timing könnte nicht besser sein – denn während die bekannteren Adaptionen des Buches jeweils a Das Jahr 2023, das Produkt ihrer Zeit und durch einen Mangel an vorhandener Sprache in ihren Bemühungen, die komplexen Themen rund um Sexualität und Geschlecht vollständig zu erforschen, eingeschränkt ist, mag für viele von uns ein wenig altbacken erscheinen. Eine neue Sichtweise aus einer informierteren Perspektive ist alles, was dazu nötig ist Werden Sie dem Material gerecht und offenbaren Sie die authentische queere Stimme, die schon immer darin steckt.

Für diejenigen, die eine Auffrischung brauchen: „Spider Woman“ ist ein intimes Drama mit zwei Charakteren, das in einer Gefängniszelle in Buenos Aires spielt, wo Valentin – ein machohafter politischer Gefangener, dessen Engagement für die marxistische Sache Vorrang vor allem anderen hat – zusammengewürfelt wird Molina – ein queerer, filmliebender Träumer, der der harten Realität des Gefängnislebens entflieht, indem er die Geschichten seiner Lieblingsfilm-Noir-Klassiker nacherzählt und sich von ihren glamourösen Hauptdarstellerinnen inspirieren lässt. Die beiden Zellengenossen passen, gelinde gesagt, nicht zusammen, aber es gelingt ihnen irgendwie, eine unwahrscheinliche Beziehung aufzubauen.

In seinen Pressenotizen für die neue Produktion sieht Michael Michetti die Dynamik zwischen diesen beiden diametral entgegengesetzten Charakteren – die in einer bedrückenden Umgebung zusammenhalten und sich gegenseitig verstehen und sogar lieben – als einen Kernpunkt, der „eine neue Relevanz erhält“. das heutige polarisierte Klima.“ Er weist auch auf die überraschende Menge an Humor und Verspieltheit hin, die in der Geschichte enthalten ist, sowie auf die Bedeutung der Sprache als Antrieb.

Die Sprache ist besonders wichtig für eine Version, die die Geschichte ohne die Hilfe ausgefeilter konzeptioneller Konzepte und visueller Erzählhilfen erzählt, die in einem Film mit großem Budget oder einem Broadway-Musical zur Verfügung stehen – und das bedeutet, dass die Last, sie effektiv einzusetzen, den beiden Schauspielern obliegt spielen Valentin und Molina: Ed F. Martin bzw. Adrián González.

The Blade sprach mit beiden über die Herausforderungen, denen sie bei der Bewältigung zweier Rollen gegenüberstanden, die in der öffentlichen Vorstellung bereits durch die hochkarätigen früheren Ausgaben des Romans berühmt wurden, und ihre Antworten unterstreichen alle Gründe, warum „Der Kuss der Spinnenfrau“ immer noch so beliebt ist. vielleicht mehr denn je ein wesentlicher Prüfstein für die queere Kultur.

Für Molina ging es vor allem darum, das richtige Verständnis für Molina zu finden.

„Frühere Versionen haben mich nicht berührt, oder ich habe zumindest keine Anleihen daraus übernommen. Ich habe den Film vor langer Zeit gesehen und war sogar in einer Produktion des Musicals dabei – ausgerechnet den Aufseher. Aber ich habe einfach irgendwie Ich verkörperte mich selbst – und ein bisschen meine Mutter – und stürzte mich in die Proben mit allem, was Adrian und Michael mitbrachten. Und je tiefer wir gingen, desto mehr verliebte ich mich in Molina als Person.“

„Ich bin als lateinamerikanischer Schwuler hierher gekommen“, erklärt er. „Ich dachte an Molina als einen schwulen Mann, aber als ich den Roman las und das Stück aufschlüsselte, wurde mir klar, dass Molina eine Transgender-Frau sein könnte – es ist schwer, es definitiv zu sagen, da die heutige Zeit so anders ist als 1975, aber ich denke, Molina sieht sich selbst als Frau und eifert den glamourösen Frauen der 40er und 50er Jahre aus den Filmen nach, die sie so sehr liebt.

Was González betrifft, so erzählt er uns, dass er weder mit dem Musical noch mit dem Film vertraut war.

„Ich gebe zu, als ich für die Rolle vorgesprochen und etwas recherchiert habe, habe ich mir ein paar Szenen aus dem Film angesehen. Ich habe nichts Besonderes gefunden, an dem ich mich festhalten könnte – ich liebe Raul Julia, aber wir sind verschiedene Menschen.“ Und ehrlich gesagt denke ich, dass die Geschichte, die der Film erzählt, eine andere ist als die Geschichte, die wir erzählen. Für mich ist Valentin ein Mann, der leidenschaftlich an seinen Glauben glaubt und alles tun würde, um dazu beizutragen, die Welt zum Besseren zu verändern. Das war es hat bei mir einen Nerv getroffen.

Er erklärt weiter: „Unsere Herangehensweise an die Charaktere – insbesondere Molina – macht unsere Geschichte heute besonders und sehr relevant. Wir behandeln sie als Transfrau, in einer Zeit und Welt, in der es weder Sprache noch Akzeptanz für sie gab – und.“ Am Ende findet sie es in einer ungewöhnlichen Person wie Valentin, was diese Geschichte zu etwas ganz Besonderem macht.

Martin stimmt zu. „Diese beiden Menschen sind in ihren Ansichten polare Gegensätze, aber in einem geschlossenen Raum sind sie gezwungen, sich kennenzulernen, einen anderen Standpunkt zu hören, voneinander zu lernen und schließlich eine gemeinsame Basis oder eine Verbindung zu finden.“ Wenn wir uns anschauen, wo wir heute als Land stehen – politisch, sozial, kulturell –, könnte uns das Stück das ein oder andere darüber lehren, wie wir respektvoll miteinander umgehen, während wir hin und her gehen und uns selbst und unsere gegensätzlichen Werte oder Philosophien zum Ausdruck bringen. oder wie auch immer wir sie nennen. Was es wirklich relevant macht, ist das Bedürfnis zuzuhören.“

González stimmt zu und mischt sich ein: „Wir können uns offenbar nicht auf Themen einigen, die wirklich grundlegende Menschenrechte sind, und die Bereitschaft, Gespräche zu führen und einander zuzuhören, ist völlig vom Tisch, es fehlt einfach an Empathie füreinander.“ Und währenddessen werden die Rechte von Menschen innerhalb der LGBTQ+-Community angegriffen.“

Das Potenzial der Geschichte als Katalysator für Veränderungen erstreckt sich sogar auf die Schauspieler selbst. Wie Martin uns erzählt: „Ich habe es genossen, Molina kennenzulernen und herauszufinden, dass sie die Figur so sein kann, wie sie ist, ohne Etiketten über sexuelle Orientierung, Geschlechtsidentität oder irgendetwas anderes. Es gibt viele Reaktionen, die Molina in der Geschichte hat, die ich selbst habe.“ im wirklichen Leben – im Guten wie im Schlechten – und interessanterweise hat es mich dazu gebracht, über mich selbst nachzudenken. Wie gesagt, ich identifiziere mich als schwuler Mann – aber dank dieser Rolle frage ich mich jetzt, ob ich dieses Etikett überhaupt brauche? „González bringt zusammenfassend seine Hoffnung zum Ausdruck, dass die Herzen und Gedanken der Zuschauer gleichermaßen geöffnet werden, wenn sie „Spider Woman“ mit ihnen erleben.

„Ich glaube, dass Theater und Geschichten wie diese dazu beitragen, die Welt, in der wir leben, zu formen. Ob wir uns in bestimmten Fragen einig sind oder nicht: Wenn wir einander mit Empathie und offenem Herzen begegnen, können wir dazu beitragen, die Welt zu verändern.“ Welt zusammen.“

„Kiss of the Spider Woman“ wird vom 1. bis 23. April im A Noise Within, 3352 E Foothill Blvd, Pasadena, aufgeführt.

„Twilight“ besteht aus einem multiethnischen Ensemble, das jeweils bestrebt ist, ehrliche Darstellungen einer schwindelerregenden Vielfalt an Charakteren zu liefern

Veröffentlicht

An

Von

LOS ANGELES – „Twilight: Los Angeles, 1992“ ist ein einzigartiges „LA“-Stück. Das mag wie eine selbstverständliche Behauptung erscheinen – schließlich steht es direkt im Titel –, aber in diesem Fall bezeichnet es weit mehr als nur die Vertonung.

Ursprünglich von Anna Deavere Smith im Jahr 1993 konzipiert, geschrieben und aufgeführt, handelt es sich um eine Chronik der Unruhen – oder des Aufstands, wie er heute von vielen genannt wird –, die in Los Angeles nach dem Freispruch von vier LAPD-Beamten stattfanden, denen vorgeworfen wurde, Rodney geschlagen zu haben König während seiner Verhaftung; Es war ein anhaltender Ausbruch ziviler Unruhen, der landesweit Schlagzeilen machte, aber für die Menschen in LA war es eine zutiefst traumatische Erfahrung, die bleibende Narben hinterließ. Allein aus diesem Grund fühlt sich eine Aufführung von Smiths Stück in Los Angeles etwas persönlicher an, als wenn sie irgendwo anders stattfinden würde.

Wenn man die zusätzliche Bedeutung berücksichtigt, die mit dem 30. Jahrestag dieser bahnbrechenden, kulturerschütternden Störung des Identitätsgefühls unserer Stadt einhergeht, wird klar, warum die Produktion jetzt im Mark Taper Forum auf der Bühne steht – dem Veranstaltungsort, an dem Smith ursprünglich auftrat das Werk – könnte für Angelenos einen besonders resonanten Nerv treffen.

Unter der Regie von Gregg T. Daniel ist sich das neue „Twilight“, das von Smith selbst nach dem Mord an George Floyd adaptiert wurde, um die Produktion als Ensemblestück statt als Soloaufführung zu ermöglichen, seines Heimvorteils bewusst, den es ergänzt mit einem Produktionsdesign mit Bildern bekannter lokaler Orte auf Projektionswänden, die die Bühne einrahmen und visuell dominieren. Zusammen mit der häufigen Verwendung von LA-typischen Straßennamen, Fachjargon und kulturellen Bezügen im Drehbuch reicht es aus, dass sich das Erlebnis ebenso wie eine Bürgerversammlung wie ein Theaterabend anfühlt.

Das ist natürlich im Originalmaterial eingebaut. Es wurde von Smith aus Transkriptionen von etwa 300 Interviews erstellt, die sie persönlich geführt hat, und bietet eine beängstigende Reihe widersprüchlicher Meinungen und gegensätzlicher Perspektiven aus einer breiten, multiethnischen Gruppe realer Personen, die direkt oder indirekt von den Unruhen betroffen sind Seine Stimme hat den unverkennbaren Klang der Authentizität und ist untrennbar mit der gemeinsamen kulturellen Erfahrung von LA verbunden. Drei Jahrzehnte später verstärkt es auch Echos, die lauter nachhallen, seit Amerika miterlebt hat, wie im Fernsehen mitten in einer Pandemie ein Schwarzer ermordet wurde. Seit ein Videoband – eines der ersten, das Polizeibrutalität gegen eine farbige Person festhält (POC ) und es Millionen amerikanischer Augenpaare im Rundfunkfernsehen auszusetzen – war auch der Auslöser, der die Rodney-King-Unruhen auslöste, und es ist schwer, nicht von der offensichtlichen Symmetrie beeindruckt zu sein.

„Die Resonanz lässt einfach nicht nach“, sagt Daniel, als er mit The Blade darüber spricht, warum sich die Wiederbelebung von Smiths ikonischem Stück im Jahr 2023 so erschreckend passend anfühlt. „Man denkt, wenn man ein Theaterstück aufführt, das dreißig Jahre alt ist, ‚Ist das ein Museumsstück?‘“ – aber leider ist dies ein Stück, das nie veralten kann, solange diese Gräueltaten weitergehen.“ Er erklärte weiter: „In den letzten Jahren waren wir dank Mobiltelefonen und Internet solchen Gefahren ausgesetzt.“ viel Gewalt durch die Strafverfolgungsbehörden gegen schwarze und braune Körper. Da war natürlich George Floyd, aber auch Ahmaud Arbery, Breanna Taylor – die Namen kommen immer wieder. Noch während wir mit den Proben begannen, wurde Tire Nichols in Memphis ermordet.

Es versteht sich von selbst, dass viele der heutigen Zuschauer Smiths Werk mit einem erneuerten Gefühl von „Wachheit“ und einer festen Interpretation betrachten – auf die Gefahr hin, das Wort (und das Konzept) von konservativen Neinsagern zu einer pejorativen Verfälschung zu verleiten der „richtigen“ und „falschen“ Einstellungen gegenüber der Anerkennung systemischer Rassenungleichheit; Aber wie Daniel betont, ist eines der bestimmenden Merkmale des Originalstücks seine Weigerung, auf einfache Urteile zurückzugreifen.

„Sie versucht nicht, die eine oder andere Seite anzuklagen. Sie präsentiert LA einfach so, wie es ist; das sind wörtliche Berichte über eine Zeit, mit der wir immer noch zurechtzukommen versuchen, es sind keine Monologe oder Dinge, die komponiert wurden.“ Sie sind individuelle Ausdrucksformen einer realen Erfahrung. Sie versucht nicht, Partei zu ergreifen, sie stellt nur dar, wie die Dinge sind. Ihre Beziehung dazu als Gemeinschaftsmitglied, das Leben in Amerika – das ist es, was wir haben und womit wir umgehen müssen Es."

Diese Weigerung, in eine einfache Perspektive zu verfallen, ist es, die „Twilight“ über das Niveau reiner emotionaler Propaganda erhebt. Es ist nicht schwer, den kulturellen Aufruhr um Rodney King oder George Floyd in buchstäblicher Schwarz-Weiß-Einfachheit zu beschreiben, aber um sich den unzähligen zugrunde liegenden Komplexitäten zu stellen, die dazu beigetragen haben, wie sich jeder dieser Vorfälle im öffentlichen Bewusstsein abspielte, ist weniger nötig dogmatischere Denkweise als das.

Ohne die Gültigkeit solcher reaktionärer Kontrapunkte wie „ALLES Leben ist wichtig“ oder anderer solcher „Was-wäre-mit-Ismen“ anzudeuten, die in der Debatte über Anti-BIPOC-Polizeigewalt häufig rationale Antworten ersetzen, ist der maßvolle Verzicht des Materials auf widersprüchliche- Die dennoch gleichermaßen authentischen Standpunkte einer multiethnischen und oft diametral entgegengesetzten Auswahl von LA-Stimmen sind ein starkes Argument für das Argument, dass die Anwendung übermäßiger Gewalt gegen jeden, unabhängig von der ethnischen Herkunft, ein Problem ist, das über die Rasse hinausgeht .

Für Daniel ist das ein entscheidender Punkt, wenn es darum geht, die Tragweite der Diskussion zu erkennen, zu der „Twilight“ einlädt. Ja, es dreht sich um systemische Gewalt gegen POC und die komplizierten Rassenkämpfe – insbesondere zwischen der koreanisch-amerikanischen und der schwarzen Gemeinschaft, die aufgrund der Umstände und der wirtschaftlichen Ungleichheit in den Gemeinschaften, in denen sie häufig zusammenleben, gegeneinander antreten –, die so oft die tieferen Probleme verschleiern die aus unserer Sicht zugrunde liegen; Aber letztendlich stellt das Stigma der „Andersartigkeit“, das unsere sozialen und kulturellen Systeme befällt und weit über unsere unhaltbar gespaltene Haltung zur Rassengleichheit und zur institutionellen Neuerfindung hinausgeht, im weiteren Sinne eine Bedrohung für das Wohlergehen jeder Gemeinschaft dar – unabhängig davon, ob sie definiert wird Rasse, Glaube, Geschlecht, sexuelle Orientierung oder andere oberflächliche Unterschiede, die wir nutzen, um uns voneinander zu trennen.

Wie Daniel es ausdrückt: „Bigotterie, Hass und Gewalt können, sobald sie gegen afroamerikanische Körper verübt werden, gegen jeden Körper verübt werden. Es ist kein großer Sprung zu sagen, dass Gewalt, die gegen Schwarze und BIPOC-Gemeinschaften verübt wird, Gewalt gegen alle Gemeinschaften ist, die sie für richtig halten.“ als nicht „Amerikaner“ – es ist nicht einmal einen Steinwurf entfernt, dass sie gegenüber asiatischen Amerikanern, pazifischen Inselbewohnern, jüdischen Menschen oder LGBTQ+-Personen die gleiche Einstellung haben. Ich meine, sie versuchen, Drag-Shows zu verbieten! Wirklich „Sie denken, DAS ist das Problem?“

Als deutlichen Kontrapunkt zu solchen Gefühlen präsentiert Daniels Inszenierung von „Twilight“ ein multiethnisches fünfköpfiges Ensemble, von dem jeder versucht, ehrliche Darstellungen einer schwindelerregenden Reihe von Charakteren zu liefern, die sich über die breite und vielfältige Mischung aus ethnischer Zugehörigkeit, Geschlecht, Sexualität, Ideologie und Status, die die Persönlichkeit von Los Angeles selbst ausmachen. Sie alle haben transzendente Momente, in denen die Betonung des Stücks auf Menschlichkeit über Stammesloyalität deutlich im Vordergrund steht; Trotzdem lässt sich nicht leugnen, dass die Aufspaltung des Ein-Personen-Formats des Originals in ein Konzept, das seine Dutzenden Rollen auf mehrere Spieler aufteilt, zweifellos den unbeabsichtigten Effekt hat, die Kraft des Materials zu zerstreuen; Es hat etwas Tiefgründiges, wenn eine einzelne Stimme einer Vielzahl individueller Erfahrungen Ausdruck verleiht, und auch wenn das gleiche Gefühl geweckt werden kann, wenn die Anzahl der Stimmen zunimmt, wird manches Publikum feststellen, dass es dabei unweigerlich abnimmt. Dennoch die Produktion im Taper liefert einen kraftvollen Schlag, und es ist keine Überraschung, dass der elektrisierendste und verheerendste Moment kommt, wenn das Videoband, auf dem Rodney King brutal zusammengeschlagen wird, stumm vor einem schockierten und spürbar bewegten Publikum abgespielt wird. Vielleicht noch wichtiger ist, dass es einen umfassenden Crashkurs über die Fakten rund um eine der bedeutendsten Kulturkrisen Amerikas (und einen der dunkelsten Momente in L.A.) des letzten halben Jahrhunderts bietet und die Lücken für diejenigen füllt, die zu jung sind, um sich an die Realität zu erinnern. Lebensereignis. Vor allem aber konfrontiert es uns mit einer unangenehmen Wahrheit und lässt uns weniger sicher sein, wo wir stehen, als wir das Theater betreten haben.

Wie Daniel es formuliert: „Wenn wir eine Stadt sein wollen, die zusammenlebt, wie stehen wir dann zu dem, was auf der Bühne steht? Unsere Absicht mit „Twilight“ ist nicht, mit dem Finger zu zeigen oder zu tadeln, sondern zu sagen: „…“ ein LA-Community-Mitglied, ein Angeleno, welche Beziehung haben Sie zu diesen Ereignissen? Stadt der Engel. „Twilight: Los Angeles, 1992“ läuft bis zum 9. April.

Im Rahmen der LA Theatre Week sind bis zum 2. April ermäßigte Eintrittskarten erhältlich.

Tickets und weitere Informationen finden Sie auf der Website der Centre Theatre Group.

Die Latino Theatre Company präsentiert das interdisziplinäre, experimentelle Ensemble Organización Secreta Teatro aus Mexiko-Stadt in zwei neuen Performance-Werken

Veröffentlicht

An

Von

LOS ANGELES – Die Latino Theatre Company präsentiert das interdisziplinäre, experimentelle Ensemble Organización Secreta Teatro aus Mexiko-Stadt in zwei neuen Performance-Werken. Jedes Werk, Pueblo Espíritu und Las Diosas Subterráneas, wird während eines begrenzten zweiwöchigen Engagements vom 3. bis 14. Mai im Los Angeles Theatre Center in der Innenstadt von LA fünfmal aufgeführt

Pueblo Espíritu („Spirit Town“) erforscht eine postpandemische dystopische Gesellschaft, in der die Menschen ihren Glauben an die spirituelle Welt als Überlebensmittel erneuern. Beim Versuch, den durch die Covid-Pandemie auferlegten Beschränkungen zu entkommen, finden sich fünf Charaktere in einem dichten Wald wieder. Sie sind erschöpft und durstig, haben Angst und sind misstrauisch zueinander. Ihre Angst eskaliert, als der letzte ihrer Gruppe, der ankommt, krank ist. Ihre einzige Überlebenschance besteht darin, sich wieder mit ihrer mystischen Umgebung zu verbinden.

In Las Diosas Subterráneas („Unterirdische Göttinnen“) ist der griechische Mythos von Demeter und ihrer Tochter Persephone, die von Hades, dem Gott der Unterwelt, entführt wurden, mit der Geschichte von Luz García verknüpft, einer Figur, die auf echten Frauen basiert, die von Menschenhändlern entführt wurden , um die Geschichte von Müttern zu erzählen, die nach ihren vermissten Töchtern suchen und in der Gemeinschaft Kraft finden.

Beide Stücke wurden gemeinsam von den Ensemblemitgliedern Beatriz Cabrera, Alejandro Joan Carmarena, Brisei Guerrero, Stefanie Izquierdo, Ernesto Lecuona, Mercedes Olea und Jonathan Ramos geschaffen.

Pueblo Espíritu wird ohne Dialog aufgeführt. Las Diosas Subterráneas bietet minimale Dialoge von Stefanie Izquierdo, Ernesto Lecuona, Mercedes Olea und Rocío Carrillo und wird englische Übertitel enthalten.

Pueblo Espíritu wird am Mittwoch, 3. Mai, um 20 Uhr (Eröffnungsabend) fünfmal aufgeführt. Donnerstag, 4. Mai um 20 Uhr; Freitag, 5. Mai um 20 Uhr; Samstag, 6. Mai um 20 Uhr; und Sonntag, 7. Mai um 16 Uhr

Las Diosas Subterráneas tritt in der folgenden Woche auf, am Mittwoch, den 10. Mai, um 20 Uhr; Donnerstag, 11. Mai um 20 Uhr; Freitag, 12. Mai um 20 Uhr; Samstag, 13. Mai um 20 Uhr; und Sonntag, 14. Mai um 16 Uhr

Die Eintrittskarten kosten zwischen 22 und 48 US-Dollar, mit Ausnahme des Eröffnungsabends (3. Mai), der 58 US-Dollar kostet und sowohl Empfänge vor als auch nach der Show beinhaltet. Das Los Angeles Theatre Center befindet sich in 514 S. Spring St., Los Angeles, CA 90013.

Das Parken ist für 5 US-Dollar mit Kassenentwertung im Joe's Parking, 530 S. Spring St. (unmittelbar südlich des Theaters) möglich.

Eine wunderschöne Vorstellung des Autors/Darstellers Brent Jennings davon, was sein geistig behinderter Bruder gesagt hätte, wenn er sprechen könnte

Veröffentlicht

An

Von

LOS ANGELES – Die Echo Theatre Company präsentiert That Perfect Place, eine wunderschöne Vorstellung des Autors/Darstellers Brent Jennings darüber, was sein geistig behinderter Bruder gesagt hätte, wenn er sprechen könnte.

„Ich bin vor langer, langer Zeit aufgewachsen. Um genau zu sein in den 60ern“, sagt Jennings. „Eine Zeit, die jetzt wie eine Art Verirrung oder eine Invasion inspirierender Außerirdischer erscheint, weil es noch nie eine vergleichbare Zeit gegeben hat. Eine Zeit echter und substanzieller Veränderungen, eine Zeit der Hoffnung, eine Zeit endloser Möglichkeiten, alle unsere Stimmen waren wichtig.“ . Eingebettet in diese Realität waren Familien, die mit den häuslichen oder familiären Herausforderungen ihrer Haushalte zu kämpfen hatten. Familien wie die, in der ich aufgewachsen bin. Die in That Perfect Place präsentierten Geschichten sind eine Darstellung, ein Grübeln, eine Meditation über das Leben der Familie I wuchs als Teil davon auf, präsentiert von seinem am meisten herausgeforderten Mitglied. Ein Mitglied, das vielleicht das gefühlvollste, weiseste und mitfühlendste von uns allen war. Vielen Dank, dass ich dieses, mein Leidenschaftsprojekt, mit Ihnen erkunden durfte.“

Brent Jennings ist ein erfahrener Bühnen-, Fernseh- und Filmschauspieler mit Sitz in Los Angeles und einer fast 40-jährigen Karriere. Zuletzt war er im Fernsehen in der Hauptrolle des Ernie Fontaine in der von der Kritik gefeierten Fernsehserie Lodge 49 zu sehen, und in den letzten vier Staffeln war er in der wiederkehrenden Rolle des Grandpa Willie im erfolgreichen CW-Drama All American zu sehen. Weitere Credits umfassen mehrere Episoden von All Rise; Snowfall und die neue Komödie How to Be A Bookie für HBO Max. Zu den weiteren aktuellen Filmen zählen „Insecure“ und „Young Sheldon“.

WANN:2. April – 23. April • Sonntags um 19:30 Uhr: 2. April, 9. April, 16. April, 23. April

WO:Echo Theater CompanyAtwater Village Theatre3269 Casitas AveLos Angeles, CA 90039

PARKEN:KOSTENLOS auf dem Parkplatz Atwater Crossing (AXT), einen Block südlich des Theaters

TICKETPREISE:10 $

Weitere Informationen finden Sie unter:www.EchoTheaterCompany.com(310) 307-3753

In diesem Jahr zeichnet Stage Raw Produktionen in Veranstaltungsorten jeder Größe aus, anstatt sich ausschließlich auf Veranstaltungsorte mit 99 Sitzplätzen oder weniger zu konzentrieren

Veröffentlicht

An

Von

LOS ANGELES – Die Stage Raw Theatre Awards würdigen herausragende Leistungen auf Bühnen im Raum Los Angeles. Bei der diesjährigen Stage Raw „I'm Still Here“ Theatre Awards Party werden Produktionen gewürdigt, die im Kalenderjahr 2022 eröffnet wurden.

Stage Raw ist eine von der Community finanzierte Website für professionellen Journalismus, die 2014 als Reaktion auf den Rückgang der Kunstberichterstattung in lokalen Mainstream- und Alternativmedien gestartet wurde.

Die Preisverleihungsparty findet am Montagabend, 17. April 2023, im Sassafras Saloon, 1233 N. Vine Street in Hollywood, statt. Tickets kosten 20 $ für alle, wenn sie im Voraus gekauft werden. 25 $ an der Tür. (Die Kapazität ist begrenzt und Tickets sind nicht mehr verfügbar, sobald diese Kapazität erreicht ist.) Der Eintritt beinhaltet kostenloses Essen, Musik, Tanz und eine Bar. Der gesamte Erlös wird zur Unterstützung der professionellen Journalisten von Stage Raw und ihrer Fähigkeit verwendet, weiterhin über Theater im Raum Los Angeles zu berichten.

Tickets können hier erworben werden:(Verknüpfung)

Verwenden Sie unbedingt den Rabatt-Promocode „StageRaw“, um die Ticketgebühr von 2,50 $ zu umgehen. (Dies ist ein Service der Ticketagentur onstage411.com).

In diesem Jahr zeichnet Stage Raw Produktionen in Veranstaltungsorten jeder Größe aus, anstatt sich ausschließlich auf Veranstaltungsorte mit 99 Sitzplätzen oder weniger zu konzentrieren.

Außerdem hat Stage Raw sein System zur Vergabe von Anerkennungen geändert, um auf den Fehler früherer Jahre zu reagieren, hervorragende Produktionen auszuschließen, die nicht in der Lage waren, ein „Quorum“ von Mitwirkenden zu gewinnen. In diesem Jahr wurde jedem Stage Raw-Mitwirkenden eine Anzahl von Stimmen zugeteilt, die proportional zur Anzahl der von Stage Raw rezensierten Shows ist, die er gesehen hat, und er hat seine Stimme für jede Person, Produktion oder Kategorie seiner Wahl abgegeben.

Gründungsherausgeber Steven Leigh Morris erklärt: „Der erhoffte Effekt dieses Systems besteht darin, die Zahl der Unternehmen, die Auszeichnungen erhalten, zu diversifizieren, indem die generationsbezogene, ethnische, geschlechtsspezifische und ästhetische Vielfalt unserer einzelnen Mitwirkenden gewürdigt wird, die jeweils die Preisträger auswählen.“

Und schließlich wird die gesamte Atmosphäre der Veranstaltung eher einer Party als einer Preisverleihung ähneln. Die eigentliche Zeremonie dauert 30 bis 45 Minuten und ist den Ankündigungen und der Verleihung der Auszeichnungen „Königin der Engel“ und „Lebenswerk“ gewidmet. Alle weiteren Preisträger werden im Rahmen dieser Zeremonie namentlich genannt und können ihre Auszeichnungen an einem Tisch entgegennehmen.

KAMPCHOREOGRAPHIE

Ahmed Best, Hooded, or Being Black for Dummies, Echo Theater Company

AUDIOGESTALTUNG

Dekan Harada, Tea, Hero Theatre bei Inner-City Arts

BLITZ DESIGN

Lap Chi Chu, Die Suche nach Zeichen intelligenten Lebens im Universum,

Center Theatre Group, Mark Taper Forum

VIDEO-/PROJEKTIONSDESIGN

Hsuan-Kuang Hsieh, Die große Jheri-Curl-Debatte, Ost-West-Spieler

Nick Santiago, American Idiot von Green Day, Chance Theater

Bühnenbild

Ann Beyersdorfer, Afterglow, Midnight Theatricals im Hudson Theater

John Iacovelli, The Brothers Paranormal, East West Players

Cindy Lin, Untitled Baby Play, IAMA Theatre Company

Rachel Myers, Power of Sail, Geffen Playhouse

UNTERSTÜTZENDE LEISTUNG

Aimee Carrero, Wer hat Angst vor Virginia Woolf?, Geffen Playhouse

Alexandra Hellquist, On the Other Hand We're Happy, Rogue Machine Theater

Michael Matts, Angels in America: Perestroika, Foolish Production Company

Eileen T'Kaye, A Doll's House, Teil II, International City Theatre

KOMÖDISCHE AUFTRITT

Brent Grimes, Hooded, or Being Black for Dummies, Echo Theatre Company

SOLO-AUFTRITT

John Rubinstein, Eisenhower: This Piece of Ground, New Los Angeles Repertory Theatre Company, Theatre West und Hudson MainStage Theater

SOLO-SCHREIB-PERFORMANCE

Alex Alpharaoh, Wet: A DACAmented Journey, Greenway Court Theater

Colin Campbell, Trauer: Eine One-Man-Shitshow, The Broadwater

Ben Moroski, Hund, The Broadwater

Jesús I. Valles (Un)documents, Latino Theatre Company

SCHREIBEN-PERFORMANCE

Judy Carter, Eine todesmutige Flucht!, Hudson Guild Theater

FÜHRENDE LEISTUNG

Hugo Armstrong, Onkel Vanya, Pasadena Playhouse

Kevin Ashworth, Eine öffentliche Lesung eines unproduzierten Drehbuchs über den Tod von Walt Disney, Theaterplaner im Odyssey Theater

Ramón de Ocampo, Hamlet, Antaeus Theatre Company

Jenny O'Hara, Little Theatre, Rogue Machine Theater

Zachary Quinto, Wer hat Angst vor Virginia Woolf?, Geffen Playhouse

Jennifer Shelton, A Doll's House, Teil II, International City Theatre

Michael A. Shepperd, Valley Song, International City Theatre

Kalean Ung, Macbeth, Independent Shakespeare Co.

RICHTUNG

Nancy Lantis, The Sandman, Eclipse Theatre LA und Santa Clarita Shakespeare Festival

COMEDY-REGIE

Ahmed Best, Hooded, or Being Black for Dummies, Echo Theater Company

Regie/Ensemble

Will Block und das Ensemble von All is True oder Henry VIII, The Porters of Hellsgate Theatre Company

Gregg T. Daniel und das Ensemble von Radio Golf, A Noise Within

COMEDY-ENSEMBLE

Können Sie nicht bezahlen? Zahlen Sie nicht!, Die Schauspielerbande

ENSEMBLE

Anna in The Tropics, A Noise Within

Blues für einen Himmel in Alabama, Center Theatre Group/Mark Taper Forum

Das Farbige Museum, Loft-Ensemble

Freestyle Love Supreme, Pasadena Playhouse,

Wenn niemand bemerkenswerte Dinge tut, Pandora Productions im Garage Theatre

Das Erbe, Geffen Playhouse

Masao und die bronzene Nachtigall, CASA 0101 und das Japanisch-Amerikanische Nationalmuseum

ANPASSUNG

James Fowler, Ein Sommernachtstraum, Open Fist Theatre Company

SPIELSCHREIBEN

Carla Ching, Revenge Porn, Ammunition Theatre Company

Bernardo Cubria, The Play You Want, Road Theatre Company

Kelly McBurnette-Andronicos, The House of Final Ruin, Ophelia's Jump

Murray Mednick, Three Tables, Padua Dramatiker im Zephyr Theater

Produktionsexzellenz im Queer-Storytelling

Interstate, Ost-West-Spieler

AUSGEZEICHNETE MUSIKALISCHE WIEDERBELEBUNG

Oklahoma! Center Theatre Group/Ahmanson Theater

AUSGEZEICHNETE PRODUKTION

Ein Sommernachtstraum, Open Fist Theater

Die Penelopiade, City Garage

Roe, Fountain Theatre

Onkel Vanya, Pasadena Playhouse

AUSGEZEICHNETE SAISON

The Road Theatre Company (The Play You Want, Beloved, Bright Half Life, laut Chor)

LEBENSWERK

Maria Gobetti und Tom Ormeny (Victory Theatre Center)

Frederique Michel und Charles Duncombe (City Garage)

KÖNIGIN DER ENGEL

Die SB116-Koalition (Teri Ball, Beatrice Casagran, Elina DeSantos, Emmanuel Deleage, Martha Demson, Christopher Maikish, Leo Marks, Marc Antonio Pritchett und Vanessa Stewart)

************************************************** *****************************************

Die Stage Raw „I'm Still Here“ Theatre Awards Party 2023 wird durch das großzügige Sponsoring der folgenden Unternehmen und Einzelpersonen unterstützt: Antaeus Theatre Company, Crimson Square Theatre, Dina Morrone, DEMAND PR, The Geffen Playhouse, The Hudson Theatres, IAMA Theatre Company, Lucy Pollak Public Relations, Macha Theatre Company, Ophelia's Jump, Road Theatre Company, Sandra Kuker Public Relations, Santa Monica Playhouse, Sierra Madre Playhouse, Theater 40, Theatre of NOTE und The Victory Theater Center.

Die Show beginnt am Freitag, 24. März und läuft bis Sonntag, 2. April 2023 im Kavli Theater im Bank of America Performing Arts Center

Veröffentlicht

An

Von

THOUSAND OAKS, Kalifornien – 5-STAR THEATRICALS ist stolz, die erste Show seiner Saison 2023–2024 anzukündigen, das mit dem Tony Award ausgezeichnete RAGTIME: DAS MUSICAL, Buch von Terrence McNally, Musik von Lynn Ahrens, Texte von Steven Flaherty, Dirigent und musikalische Leitung von Tom Griffin, Choreografie von Michelle Elkin und Regie von Jeffrey Polk.

RAGTIME: DAS MUSICAL startet am Freitag, 24. März 2023 und läuft bis Sonntag, 2. April 2023 im Kavli Theater im Bank of America Performing Arts Center (ehemals Thousand Oaks Civic Arts Plaza), 2100 Thousand Oaks Boulevard in Thousand Oaks .

Basierend auf dem Roman von EL Doctorow zeigt dieser musikalische Wandteppich eine afroamerikanische Familie, eine jüdische Einwandererfamilie und eine wohlhabende weiße Vorstadtfamilie im Amerika der Jahrhundertwende, die auf der Suche nach dem amerikanischen Traum zusammenstoßen.

Ragtime wurde für 13 Tony Awards® nominiert, darunter „Bestes Musical“, und gewann die Auszeichnungen „Beste Originalmusik“ und „Bestes Buch eines Musicals“. Es ist ein kraftvolles Porträt des Lebens um die Jahrhundertwende und erforscht die zeitlosen Widersprüche Amerikas von Freiheit und Vorurteil, Reichtum und Armut, Hoffnung und Verzweiflung.

JEFFREY POLK (Regisseur) Regie und Choreografie: The Color Purple, Smokey Joe's Cafe, Memphis (The Musical), Ain't Misbehavin'. Choreographie: Dreamgirls, (TUTS, Houston mit Sheldon Epps, Regisseur), Kiss Me, Kate, (Pasadena Playhouse, Sheldon Epps, Regisseur), Blues In The Night, (The Wallis, Beverly Hills, Sheldon Epps, Regisseur). Gastregisseur bei „The Young Americans“ und „Heartglobal Outreach World Tours“. Herr Polk ist am Broadway, auf nationalen Tourneen, im Fernsehen und im Film aufgetreten.

MICHELLE ELKIN (Choreografie) Ausgewählte Credits umfassen: „Sutton Foster Live“ mit Jonathan Groff (PBS), „Young Sheldon“-Hauschoreograph (CBS), „Younger“ (TV Land), „The Wonderful Mrs. Maisel“ (Amazon), „Me And My Grandma“ mit Rhea Perlman, „Baby Daddy“ (ABC Family), TNT-Pilot „Dawn“ unter der Regie von Sam Raimi, Lifetimes Reality-Show „Your Mama Don't Dance“, „Kristin“ mit Kristin Chenoweth und Tap Sequenzen in „Bunheads“ von ABC Family. Theater: Live-Musikaufführungen mit Tony-Award-Gewinner Sutton Foster und Special Guest Joshua Henry für das NSO im Kennedy Center, New York Pops in der Carnegie Hall und das Houston Symphony. Theater: Something Rotten (Broadway World-Nominierung), Sister Act The Musical (Broadway World-Nominierung), Hunchback Of Notre Dame (Broadway World-Nominierung), Children Of Eden (Broadway World-Nominierung); Little Shop Of Horrors (Straz Center), The Goodbye Girl (MTG). Spielfilme: Wild Hogs, What Just Happened. Zu den Credits als Associate Choreograph gehören: „Dancing With The Stars“, Sister Act im Pasadena Playhouse, „Emmy Awards“ mit Jane Lynch, „Academy Awards“ mit Hugh Jackman und die Broadway-Show Wonderland (Marquis Theater).

TOM GRIFFIN (Musikalischer Leiter/Dirigent) ist ein landesweit anerkannter Musikdirektor und Dirigent für professionelles Musiktheater.

Tom war musikalischer Leiter der Los Angeles-Produktionen von Disneys Die Schöne und das Biest, The Music Man, Annie, „13“ The Musical, Bye Bye Birdie, Sweet Charity, West Side Story, The Scarlet Pimpernel und Joseph & The Amazing Technicolor Dreamcoat. die nationale Tournee von My Fair Lady für Theatre Of The Stars, die Produktionen des Alabama Shakespeare Festivals von A Christmas Carol, Peter Pan, 25th Annual Putnum County Spelling Bee, Disneys Mary Poppins, die Ostküstenpremiere und der New York Workshop von Truman Capotes A Christmas Memory und die Produktionen der Pioneer Theatre Company von Once, A Christmas Carol, Elf, The Musical, Peter & The Starcatcher, Oliver, Newsies und Once On This Island.

Tom hat Auszeichnungen für seine musikalische Leitung bei Shows erhalten, darunter die Broadway-Wiederaufnahme von You're a Good Man Charlie Brown (Premiere in Los Angeles), für die er einen Garland Award für die beste musikalische Regie erhielt, und Side Show (Premiere in Los Angeles). Dafür erhielt er einen Los Angeles Drama Critics Award für die beste musikalische Regie sowie acht Nominierungen für den Theatre LA Ovation Award.

Tom war der musikalische Leiter von Disneys „Die Schöne und das Biest“ auf zwei nationalen Tourneen und fungierte erneut als musikalischer Leiter für die Aufführung der Show im Fox Theatre in Atlanta. Zu Toms weiteren Produktionen gehören Grease, The Mystery of Edmond Drood, die Westküstenpremiere von My Way, A Connecticut Yankee, Honk! Das Musical, die Westküsten- und Los Angeles-Premieren von The Last Five Years, die Westküstenpremiere von The Spitfire Grill, 70 Girls 70, Baby, Alice im Wunderland, Cinderella, Dornröschen, Dschungelbuch, Aladdin, Fatty, Oklahoma, The „Der Zauberer von Oz“, „Inside the Music“ und „Club Indigo“, für die er außerdem einen DramaLogue-Preis für die beste musikalische Regie gewann.

Zur Besetzung von RAGTIME: DAS MUSICAL gehören Marty Austin Lamar als „Coalhouse“, Brittany Anderson als „Sarah“, Misty Cotton als „Mutter“, Michael Scott Harris als „Vater“, Hank Jacobs als „Tateh“ und Samantha Wynn-Greenstone als „Emma Goldman“, Ceron Jones als „Booker T“, Monica Ricketts als „Evelyn Nesbit“, Jeremy Ingraham als „Jüngerer Bruder“, Steven Perren als „Großvater“, Jacob Hoff als „Harry Houdini“, Josh Christoff als „JP Morgan“, Davis Hamilton als „Henry Ford“, Lila Dunham als „Little Girl“, Daxton Bethoney als „Little Boy (Edgar)“ und Jordan Jackson als „Sarah’s Friend/Ensemble“.

Zum Ensemble gehören (in alphabetischer Reihenfolge): Christopher D. Baker, Emily Cochrane, Domo D'DAnte, BK Dawson, Julia Feeley, Glen Hall, Tyler Marshall, Almand Martin, Jr., Donovan Mendelovitz, Kristen O'Connell, Will Riddle, Zara Saje, Leasa Shukiar, Kumari Small, Tania Pasano Storrs und Dekontee Tucrkile.

Das Jugendensemble besteht (in alphabetischer Reihenfolge): Delilah Bank, Tanner Cox, Camryn Daniels, Madelyn Freidman, Harley Grey, Harrington Gwin, Madison North, Calulla Sawyer, Weston Walker-Pardee, Poppi Wilbur-McDaniels und Olivia Zenetzis.

Das Designteam von RAGTIME: THE MUSICAL bietet: Lichtdesign von Brandon Baruch; Kostümdesign von Shon LeBlanc; Sounddesign von Jonathan Burke; Requisitendesign von Alex Choate; Haar- und Perückendesign von Luis Ramirez. Die Produktionsleiterin ist Erin Nicole Eggers.

RAGTIME: DAS MUSICAL startet am Freitag, 24. März und läuft bis Sonntag, 2. April 2023 im Kavli Theater im Bank of America Performing Arts Center (ehemals Thousand Oaks Civic Arts Plaza), 2100 Thousand Oaks Boulevard in Thousand Oaks.

Die Vorstellungen finden freitags um 20 Uhr statt; Samstags um 14:00 und 20:00 Uhr; Sonntag, 24. März um 14 Uhr und Sonntag, 2. April um 13 Uhr; mit einer zusätzlichen Vorstellung am Donnerstag, 30. März um 19:30 Uhr.

Tickets sind ab sofort im Verkauf und können an der Abendkasse des Bank of America Performing Arts Center am 2100 Thousand Oaks Boulevard in Thousand Oaks oder über www.5startheatricals.com oder telefonisch unter (800) 745-3000 erworben werden.

Für Gruppen ab 10 Personen rufen Sie bitte Group Sales, 5-STAR THEATRICALS, unter (805) 497-8613 x 1 an.

Die Ticketpreise liegen zwischen 35 und 90 US-Dollar. Für Ticket- und Theaterinformationen rufen Sie (805) 449-ARTS (2787) an.

Für das Bank of America Performing Arts Center gelten keine COVID-Impfpflichten mehr. Gemäß der Ventura County Public Health Order werden Masken oder Gesichtsbedeckungen für alle Personen dringend empfohlen, unabhängig vom Impfstatus.

Das Unternehmen liegt im Herzen des NoHo Arts District und ist seit 26 Saisons im Historic Lankershim Arts Center zu Hause

Veröffentlicht

An

Von

NORTH HOLLYWOOD – The Road Theatre Company und Taylor Gilbert, Gründer/künstlerischer Leiter, bleiben zusammen mit Sam Anderson, künstlerischer Leiter, ihrer bedeutungsvollen Mission treu, neue Werke für die Bühne zu produzieren und zu entwickeln und Stücke von Grund auf zu erschaffen! Mit Carlyle King, Jessica Broutt, wurde der Traum Wirklichkeit. Sie nannten es UNDER CONSTRUCTION – NEW PLAY SLAMFEST 3.

Elf neue Dramatiker werden ihre Stücke vorstellen, die während des zehnmonatigen Entwicklungsprozesses entstanden sind. IM BAU – NEUES SPIEL SLAMFEST 3 ist etwas Besonderes und Einzigartiges auf der ROAD und seine Dramatiker sind weiterhin im ganzen Land erfolgreich. Kürzlich hat das Unternehmen Steppenwolf zur Liste hinzugefügt!

Hier ist die Aufstellung für die drei Wochen:

17. Februar – 20 Uhr: A True Tragedie von Jason Gray Platt, Regie: Nancy Fassett.

Im elisabethanischen England versucht eine kämpfende Theatergruppe, sich einen Namen zu machen, indem sie ein völlig neues Genre des Geschichtenerzählens erfindet. Denken Sie an Shakespeare in Love.

18. Februar – 20 Uhr: Gentlemen & Ladies von Alyssa Haddad-Chin, Regie: Ann Hearn Tobolowsky. Als eine Männerrechtsgruppe das Internet verlässt und sich persönlich trifft, droht ein neues Mitglied, die Dinge zu ändern!

19. Februar – 14 Uhr: STILL von Lia Romeo, Regie Michelle Bossy.

Vor 30 Jahren trennten sich Helen und Mark. Jetzt kandidiert er für den Kongress, und sie hat ein Geheimnis, das seine Kandidatur zum Scheitern bringen könnte. Ein Stück über verlorene Liebe und die Art und Weise, wie Menschen sich verändern ... oder auch nicht.

19. Februar – 19:30 Uhr: Unkonformität von Mak Shealy, Regie: Kristina Cole Geddes.

Geologie-Studenten, die die gemeinsame Leidenschaft verbindet, die Geheimnisse der antiken Erde zu entschlüsseln. Im Mittelpunkt stehen Neugier und Angst, während wir nach einer sinnvollen Möglichkeit suchen, unsere Zeit hier zu messen.

24. Februar – 20 Uhr: FEAST von Adam Hunter Howard, Regie Allan Wasserman.

FEAST ist ein Stück über Generationen – diejenigen, die wir geehrt haben, diejenigen, die wir verloren haben und diejenigen, die wir nie gekannt haben.“

25. Februar – 20 Uhr: REUNION von Rafael Yglesias, Regie: Sam Anderson.

Was wird passieren, wenn sie jahrzehntelang die Wahrheit vor ihren Lieben verheimlicht haben, wenn sie ihr wahres Selbst offenbaren? Und wenn sie sich schließlich mit ihren unterschiedlichen Wahrheiten gegenüberstehen, wird das sie heilen oder brechen?

27. Februar – 20 Uhr ELECTRIC, I von Shayne Eastin, Regie: Adrian Alex Cruz.

Was bedeutet es, das „Selbst“ zu projizieren? Eine Gruppe von Kreativen, Wissenschaftlern, Geschäftsleuten und Kriminellen geht dieser Frage im frühen Zeitalter des Kinos – und in der fernen Zukunft – nach.

3. März – 20 Uhr: „The Sporting Life“ von Marjorie Muller, Regie: April Webster.

Papas neue Freundin ist eine Serienmörderin und das ist ehrlich gesagt irgendwie ikonisch. Die 16-jährige Dot hat ihre Periode immer noch nicht bekommen. „The Sporting Life“ ist eine „Dieses Mädchen ist jetzt eine Frau“-Geschichte, die brutal aufgebrochen wurde.

16. März – 20 Uhr: Alisha Firewind von Ryan Elliot Wilson, Regie: Darryl Johnson.

Die Familie Parson kommt damit zurecht, wie jeder andere, der kein Faschist, sondern ein „Patriot“ ist. Von Nachbarn überwacht – überall ist es hart. Aber vielleicht, nur vielleicht, hilft ihnen Alisha Firewind, ein therapeutischer, präparierter Maultierkopf, ihre Kämpfe zu singen.

5. März – 14 Uhr „Memory of Winter“ von Tira Palmquist, Regie: Beth Lopes.

Es ist vorerst Winter. Und Billie Peterson ist vorerst wieder in Minnesota. Sie muss sich mit der Tatsache abfinden, dass nicht einmal der kälteste, tiefste und größte See Nordamerikas immun gegen die Auswirkungen des Klimawandels ist.

5. März – 19:30 Uhr: Singularitäten oder die Computer der Venus, geschrieben von Laura Stribling.

Was sehen wir, wenn wir den Stern betrachten? Die Vergangenheit? Die Zukunft? Unsere eigenen Grenzen? Das Leben von Astronominnen spielt in drei verschiedenen Zeiträumen und beschäftigt sich mit Licht, Liebe und dem Unendlichen.

DAS ROADTHEATER-UNTERNEHMEN:

NoHo Senior Arts Colony

10747 W. Magnolia Blvd.,

Los Angeles, CA 91601

Das im Herzen des NoHo Arts District – dem am schnellsten wachsenden Kunstviertel im LA County – gelegene Unternehmen ist seit 26 Saisons im Historic Lankershim Arts Center zu Hause. Die Road Theatre Company ist ein mehrfach preisgekröntes Theater, das zu einer der zehn besten intimen Theatergruppen in Los Angeles ernannt wurde. Es ist die Heimat von über 150 Theaterkünstlern, die sich der Schaffung von Werken auf höchstem Niveau widmen. Dieses Festival wird nach besonderer Vereinbarung mit SAG-AFTRA produziert.

FOLGEN SIE DER STRASSE FÜR DIE NEUESTEN UPDATES:

www.facebook.com/roadtheatre

www.instagram.com/roadtheatre

www.twitter.com/roadtheatre

www.youtube.com/roadtheatrecompany

Das 14. jährliche Summer Playwrights Festival findet an zehn aufregenden Tagen von Freitag, 7. Juli, bis Sonntag, 16. Juli 2023, statt

Veröffentlicht

An

Von

HOLLYWOOD – In einer Welt, die zunehmend von Tik Tok-Auftritten und dem Streaming von Medien über unsere Telefone bestimmt zu sein scheint, hat die Patin/Vater aller Medien immer noch Vorrang: Live-Theater.

Psychologen haben es untersucht und herausgefunden, dass Theaterbesucher ihr Gehirn stärker beugen, kritisches Denken entwickeln, tiefer in die Selbstwahrnehmung eintauchen und tief empfundenes Einfühlungsvermögen entwickeln. Ein wissenschaftliches Projekt ergab, dass die Zuschauer nach einer Live-Theateraufführung „Änderungen in ihrer Einstellung zu Rassendiskriminierung, Einkommensungleichheit, Sozialhilfe, Unternehmensvorschriften, Vermögensumverteilung und positiven Maßnahmen zeigten. Außerdem erhöhten sie nach der Aufführung ihre Spenden für wohltätige Zwecke.“

Obwohl er nie einem YouTube-Influencer, dem Herausforderer der gesellschaftlichen Sitten, gefolgt ist, sagte Oscar Wilde: „Ich betrachte das Theater als die großartigste aller Kunstformen, die unmittelbarste Art und Weise, wie ein Mensch mit einem anderen das Gefühl dessen teilen kann, was es ist.“ ein Mensch zu sein.

Die Road Theatre Company, ein mehrfach preisgekröntes Theater, das zu den zehn besten intimen Theatergruppen zählt, ist die Quelle des kreativen Theaters in Los Angeles. Es repräsentiert alles, was Theater sein sollte und muss, um den fantasievollen und kritisch denkenden Geist und die Seele Amerikas zu nähren. Sein Auftrag besteht nicht nur darin, Theater zu präsentieren, sondern es zu schaffen. Das im Herzen des Noho Arts District ansässige Ensemble ist ein Ensemble aus über 150 Theaterkünstlern, die sich intensiv für die Entwicklung neuer Stücke einsetzen. Um diese Mission voranzutreiben, hat das Unternehmen gegründetBauarbeiten im Gange, eine kollaborative Gruppe neuer und etablierter Dramatiker, die sich dem gesellschaftlich und politisch relevanten Geschichtenerzählen für die amerikanische Bühne widmen.

Taylor Gilbert, der Gründer und künstlerische Leiter, erzählte mir: „Die Road Theatre Company wurde gegründet, als eine Gruppe von Schauspielern, darunter auch ich, ein sehr schlechtes Stück spielten. Wir verließen die Bühne nach der zweiten Aufführung. Wir räumten die Umkleidekabine aus und.“ sagte: „Wir können es besser machen!“ Wir gingen in Jerry's Deli und begannen mit dem Brainstorming. Zwei Monate später eröffneten wir mit einer Gruppe von Schauspielerkollegen aus aller Welt in einem sehr tristen, aber aufregenden Lagerviertel und sind seitdem unserer Mission treu geblieben: politisch und/oder gesellschaftlich relevante neue Filme zu produzieren Arbeiten, die es in Los Angeles noch nie gegeben hat. Jetzt, 31 Jahre später, streben wir immer noch danach, genau das zu tun.“

LGBTQ- und verbündete Autoren und Dramatiker, hier ist Ihre Chance, entdeckt zu werden!

Vor vierzehn Jahren, nach mehr als anderthalb Jahrzehnten erfolgreicher Produktion neuer Stücke, weitete die Road Theatre Company ihre Initiative zur Suche nach neuen Werken aus, indem sie das Summer Playwrights Festival ins Leben rief.

Das Festival ist heute eines der größten inszenierten Lesefestivals des Landes.

Das Konzept ist einfach. Dramatiker reichen ihre Werke blind ein, ihre Identität ist im Wesentlichen anonym und die Hunderte von Einsendungen werden von einer Gruppe ausgewählter Leser überprüft. Diese Leser benennen dann die Finalisten in den künstlerischen Vorstand, der die endgültigen Entscheidungen trifft. Die zehn Gewinner dieses Prozesses werden als Bühnenlesungen präsentiert, aus denen sich das Festival zusammensetzt. Das 14. jährliche Summer Playwrights Festival findet an zehn aufregenden Tagen von Freitag, 7. Juli, bis Sonntag, 16. Juli 2023, statt. Auf jede Lesung folgt ein Gespräch mit dem Dramatiker und Regisseur.

Die Einreichungen von Dramatikern kommen aus dem ganzen Land, und das Festival ist eine großartige Gelegenheit für LGBTQ-Autoren, ihren Geschichten Gehör und Präsentation zu verschaffen. „Wir haben Dramatiker, die nichts getan haben, wir haben Dramatiker, die am Broadway produziert wurden“, erzählt mir Taylor. „Sie können einen beliebigen schriftstellerischen Hintergrund haben, und wenn Ihr Stück gut ist, werden wir es uns ansehen. Wir werden es lesen.“

Sie fährt fort: „Wir suchen nichts Bestimmtes, wir suchen nur nach einem Autor, der uns ein wenig in den Bann zieht. Wir suchen nach etwas, das aufregend, neu und jung ist. Es ist interessant für uns, das zu können.“ Wir schauen uns ein Stück an, das wir auf jede Art und Weise besetzen können, die wir für möglich halten – indem wir unsere Besetzung öffnen und eine bewusste Besetzung durchführen, die ein vielfältigeres und integrativeres Festival und Unternehmen widerspiegelt.“

„Ich denke, zum jetzigen Zeitpunkt denken wir wahrscheinlich über eine Besetzung von etwa vier oder fünf Leuten nach. Eine solche Besetzung bietet uns die Möglichkeit, mit dem kleineren Budget, das wir haben, im Laufe der Zeit mehr Shows produzieren zu können.“ Jahr. Das bedeutet nicht, dass wir ein Stück mit einer größeren Besetzung nicht aufführen können. Und es bedeutet nicht, dass wir es nicht produzieren werden.

Taylor gibt einen Einblick in die Einsendungen, die sie ansprechen würden: „Wenn ich etwas lese, das meiner Meinung nach ehrlich und real ist und jemandem am Herzen liegt. Das ist es, was mich zu einem Stück hinzieht. Und das bedeutet nicht, dass es langweilig sein muss. Was es sein kann, oder irgendwie fantastisch. Wir schätzen Handlungsstränge, die LGBTQ+-Geschichten beinhalten. Wir haben eine letzte Staffel gemacht. Es war eine fantastische Produktion, dieses Stück. Wir lieben es, produzieren zu können, was unserer Meinung nach so schön geschrieben ist, dass es einfach sein muss gesehen."

Zu den früheren Dramatikern, die akzeptiert wurden, gehörten John Patrick Shanley, Steve Yockey, William Mastrosimone, Harrison David Rivers, Jami Brandli, Lisa B. Thompson, Franky D. Gonzalez, DL Coburn, Lisa Loomer, Sharr White, Marisa Wegrzyn, Craig Wright, Wendy Macleod, Lucy Thurber, Mo Gaffney, Keith Huff, Brett Neveu, Scooter Pietsch, Craig Pospisil, Julie Marie Myatt und Martyna Majok.

Zu den Künstlern, die die Lesungen aufführten, gehörten Bryan Cranston, Laurie Metcalf, Jason Alexander, Zachary Quinto, Ann Cusack, Kathy Baker, Jennifer Tilly, Perry King, Rondi Reed, Tom Irwin, Nancy Travis, Gregory Harrison, Gale Harold, Robert Pine und Michael O „Neill, Harold Gould, Jon Polito, James Eckhouse, Lila Crawford und Zoe Perry.

Um Ihr Stück einzureichen, verwenden Sie diesen Link: https://roadtheatre.org/event/summer-playwrights-festival-14-submission-info/

– Jede Einsendung wird von Mitgliedern der Road Company gelesen und bewertet, wobei Empfehlungen an den künstlerischen Vorstand und die SPF-Produzenten gerichtet werden, die dann die empfohlenen Drehbücher lesen und bewerten und die endgültige Auswahl für die Stücke treffen, die bei SPF14 szenisch vorgetragen werden.

-Jedes Stück erhält mindestens zwei Lesebewertungen. Die SPF14-Mitarbeiter bedauern, dass wir zu den eingereichten Materialien kein Feedback geben.

– In diesem Jahr wird SPF bestrebt sein, die Voreingenommenheit in unserem Bewertungsprozess weiter zu reduzieren und gleichzeitig Rasse, Geschlecht und andere Faktoren bei der Auswahl unserer Spielzüge zu berücksichtigen. Wir bitten die Dramatiker, alle identifizierenden Informationen aus ihren Drehbüchern zu entfernen.

-Teilnahmeberechtigt sind Stücke jeder Länge und jedes Genres.

-Um in SPF 14 aufgenommen zu werden, muss das Werk bis zum 16. Juli 2023 an der Westküste unproduziert und unveröffentlicht bleiben.

-Frühzeitige Einreichungen werden dringend empfohlen.

-Es ist kein Agent erforderlich.

- Es werden NUR elektronische Kopieanträge akzeptiert. Bitte keine Papierexemplare.

-Alle Skripte müssen im PDF-Dateiformat vorliegen. Es werden keine Papiereinreichungen akzeptiert.

-Bitte entfernen Sie ALLE identifizierenden Informationen über den Dramatiker aus dem Drehbuch.

-Der Titel Ihrer Datei sollte nur der Titel des Stücks sein.

-Stücke müssen paginiert sein und eine Liste der Charaktere enthalten.

-Bitte fügen Sie dem Einreichungsformular eine Zusammenfassung Ihres Stücks bei.

-Wir nehmen Einsendungen für SPF 14 zwischen dem 1. Februar und dem 15. März 2023, 23:59 Uhr, entgegen. Wir können nach Ablauf dieser Frist keine Stücke mehr annehmen, planen Sie also bitte entsprechend.

-Zu diesem Zeitpunkt können Theaterstücke aller Längen (zehn Minuten, einaktig, abendfüllend) eingereicht werden.

-Offizielle SPF 14-Auswahl wird bis zum 7. Juni 2023 bekannt gegeben.

- 20 $ für Skripte mit mehr als 30 Seiten (in voller Länge) und 15 $ für Skripte mit weniger als 30 Seiten (Kurzform).

-Die Gebühr kann über diesen Link eingereicht werden: SPF-Einreichungsgebühr

Nach der Zahlung erhalten Sie zwei E-Mails in Ihrem Posteingang. Bei der ersten handelt es sich um eine Zahlungsquittung und bei der zweiten um Einzelheiten mit Anweisungen zur Skripteinreichung.

Wenn die Gebühr eine finanzielle Belastung darstellt, senden Sie bitte eine E-Mail an [email protected], um den Erlass der Gebühr ohne weitere Fragen zu beantragen.

Für alle Anfragen und weitere Informationen wenden Sie sich an:www.facebook.com/roadtheatre www.instagram.com/roadtheatre www.twitter.com/roadtheatre www.youtube.com/roadtheatrecompany

************************************************** **************************

Rob Watson ist der Moderator der beliebten Hollywood-Radio-/Podcastsendung RATED LGBT RADIO.

Er ist ein etablierter LGBTQ-Kolumnist und Blogger, der für viele führende Online-Publikationen geschrieben hat, darunter Parents Magazine, die Huffington Post, LGBTQ Nation, Gay Star News, die New Civil Rights Movement und mehr.

Er fungierte als Chefredakteur für The Good Man Project, trat bei MSNBC auf und wurde in Business Week und Forbes Magazine zitiert.

Er ist CEO von Watson Writes, einer Agentur für Marketingkommunikation, und kann unter [email protected] erreicht werden.

Elon Musk setzt sich für die Kriminalisierung der Gesundheitsversorgung für Transjugendliche ein

Bundesrichter entscheidet, dass das Drag-Verbot in Tennessee verfassungswidrig ist

Warum Christen die Schwestern vom ewigen Ablass brauchen

Eine queere Hollywood-Hommage betritt die Bühne des Pride-Monats in „Back Porch“

OutLoud rockt WeHo Pride am ersten Tag

Der Gouverneur von Texas, Abbott, unterzeichnet einen Gesetzentwurf zum Verbot der Gesundheitsversorgung für Trans-Jugendliche

30.000 marschieren bei der Jerusalem Pride Parade

Der Schulbezirk von Südkalifornien legt sein Veto gegen den Lehrplan für Sozialkunde gegenüber LGBTQ ein

Biden schickt die Nominierung von Sean Patrick Maloney an den Senat

Ipsos-Umfrage: Umfrage zum Pride-Monat, 9 % der Erwachsenen identifizieren sich als LGBTQ+